martes, 13 de diciembre de 2011
viernes, 9 de diciembre de 2011
lunes, 5 de diciembre de 2011
martes, 29 de noviembre de 2011
Clasificación de fotografías
El daguerrotipo, también conocido como "daguerreotipo", fue el primer procedimiento fotográfico anunciado y difundido oficialmente en el año 1839. Fue desarrollado y perfeccionado por Louis Daguerre a partir de las experiencias previas inéditas de Joseph-Nicéphore Niépce, y dado a conocer en París, en la Academia de las Ciencias francesa.
Los daguerrotipos se distinguen de otros procedimientos porque la imagen se forma sobre una superficie de plata pulida como un espejo. Para economizar, normalmente las placas eran de cobre plateado, pues sólo era necesario disponer de una cara plateada.
La imagen revelada está formada por partículas microscópicas de aleación de mercurio y plata, ya que el revelado con vapores de mercurio produce amalgamas en la cara plateada de la placa. Previamente esa misma placa era expuesta a vapores de yodo para que fuera fotosensible.
El Ferrotipo es un fotografía hecha por la creación de un positivo directo sobre una hoja de metal, generalmente de hierro o de acero que es ennegrecido por la pintura, lacado o esmaltado y es usado como un soporte para una emulsión fotográfica de colodión.
Los fotógrafos habitualmente trabajaban fuera en ferias, carnavales etc, y como el apoyo del ferrotipo (sin usar el estaño actual) es resistente y no necesita secado, se pueden producir fotografías instantáneas en pocos minutos después de tomarla.
Cianotipia es un antiguo procedimiento fotográfico monocromo, que conseguía una copia en color azul, llamada cianotipo. Con el nombre de ferroprusiato se utilizó mucho en la copia de planos de arquitectura.
El astrónomo inglés Sir John Herschel inventó este procedimiento en 1842. Aunque Herschel lo ideó, fue la botánica británica Anna Atkins, la que lo puso inmediatamente en práctica. Atkins publicó una serie de libros documentando helechos y otras plantas, cuyas ilustraciones eran copias azuladas o cianotipos. Por su serie British Algae, de 1843, Anna Atkins es considerada como la primera mujer fotógrafa.
El proceso utiliza dos compuesto químicos:
De su mezcla resulta una solución acuosa fotosensible, que se utiliza para recubrir un material(normalmente papel). Una imagen positiva se produce exponiéndola a una fuente de luz ultravioleta (como la luz solar) con un negativo. La luz ultravioleta reduce el hierro(III) a hierro(II). A esto le sigue una reacción compleja del hierro(II) con ferricianuro. El resultado es una sustancia insoluble al agua, de color azul (cian) (ferricianuro férrico) conocido como azul Prusia o Turquesa
El colodión húmedo es un procedimiento fotográfico creado en el año 1851 por Gustave Le Gray, que fue el primero en indicar un procedimiento con este compuesto, consiguiendo imágenes mediante el revelado con sulfato de protóxido de hierro. Frederick Scott Archer publicó ese mismo año, en Inglaterra, un estudio de tal agente que supuso un gran avance en el desarrollo de la fotografía. El método supone la utilización del colodión, una especie de barniz que se vierte líquido a las placas. El colodión se sensibilizaba en nitrato de plata. Las placas de vidrio tenían que estar muy limpias, para poder obtener imágenes nítidas y sin manchas.
Se llama colodión húmedo porque la placa ha de permanecer húmeda durante todo el procedimiento de toma y revelado de las imágenes. Esto suponía que los fotógrafos tenían que llevar consigo el laboratorio fotográfico a fin de preparar la placa antes de la toma y proceder a revelarla inmediatamente. Se generalizó así el uso de tiendas de campaña y carromatos reconvertidos en laboratorios para los fotógrafos que trabajaban en el exterior.
Otro de los inconvenientes de este método era el de la fragilidad de las placas de vidrio empleadas como soporte, que a veces acababan rayadas o rotas, posteriormente.
Eugene Atget
Jean Eugène Auguste Atget - 12 de febrero de 1857, Libourne, Gironda (Francia)- 4 de agosto de 1927, París - es un fotógrafo francés.
Sus fotografías tienen gran fuerza de sugestión, reflejan la cotidianidad parisina, de una forma espontánea, libre de las ataduras de otros movimientos más artísticos. Al final de su vida, su figura ya era conocida entre escritores y pintores de la época. Los surrealistas lo encumbraron viendo en sus imágenes, sobre todo en las figuras reflejadas en las cristaleras, una visión natural y pura que sugiere algo fantasmal. A pesar de esa popularidad en alza murió en la miseria.
Esta imagen me llamo la atención por el ángulo en que esta tomada, que sale el lago y además la casa, los colores que maneja, se ve mucho el blanco y el sepia y los arboles manejan una simetría al igual que las estatuas que están arriba.
Diane Arbus
De 1955 a 1957, Diane Arbus toma clases con la fotógrafa austríaca Lisette Model, quien ejerce una gran influencia.
Influenciada por Model y la película Freaks (La parada de los monstruos o Fenómenos, en castellano) de Tod Browning, Diane Arbus eligió a personas marginales para sus fotografías: gemelos, enfermos mentales, gigantes, familias disfuncionales, fenómenos de circo, etc. Los personajes miraban directamente a la cámara, lo que hace que el flash revele sus defectos. Su intención era producir en el espectador "temor y vergüenza".
Fue pionera del flash de relleno (flash de día).
La fotografía de Diane representa lo normal como monstruoso: cuando fotografía el dolor, lo encuentra en personas normales. Provoca que la gente presuntamente normal aparezca como anormal. Rompe la composición, sitúa al personaje en el centro. Su mirada siempre es directa, con tensión y fuerza.
Para ella no existe el momento decisivo, trabaja en continuo espacio temporal y obliga a los retratados a que sean conscientes de que están siendo retratados.
Busca una mirada nueva, pasando del tedio a la fascinación.
Me llamo la atención esta foto porque muestra lo que aun esta época para algunas personas sigue siendo un tabú y en aquellos años lo era más, la cara de el muestra despreocupación.
Richard Avedon
Reputado fotógrafo de modas y gran retratista, comenzó su carrera profesional en los años 1950 realizando espléndidos trabajos de moda para la revista Harper's Bazaar, donde acabó convirtiéndose en Jefe de Fotografía. Posteriormente, habría de colaborar igualmente con otras revistas como Vogue, Life y Look. Sin duda alguna, fue el gran fotógrafo de la moda durante los años 1960 y 70. En sus trabajos consiguió elevar la fotografía de moda al rango de lo artístico, al conseguir acabar con el mito de que los modelos debían proyectar indiferencia o sumisión. Por el contrario, en sus fotografías los modelos eran personajes libres y creativos en sus gestos dentro de escenarios dinámicos y bajo esquemas compositivos previamente decididos.
MERCADO MUNICIPAL
El mercado municipal uno de los lugares a los que no voy por gusto pero que había ido unas dos veces esta la tercera, en toda mi vida, una experiencia muy buena y diferente pues ya en compañía de mis amigos me sentí más en confianza.
David Nebreda
Estuvo al borde de la muerte. David nació el 1 de marzo de 1952 en Madrid, le diagnosticaron esquizofrenia con 19 años, estuvo internado en varias clínicas durante años hasta que un día decidió escaparse.
Se dice que vivía solo en una casa en Madrid que solo tenía 2 habitaciones, la cual usaba como taller y casa. Es (era) vegetariano desde hace 30 años, practicaba el ayuno y la abstinencia sexual y se sometía a extenuantes ejercicios físicos.
Se autolesionaba causándose quemaduras, heridas, llagas y cuanta cosa se le ocurría,
Tras pasar por todo éste tipo de mutilaciones, Nebreda encuentra el escenario perfecto para tomarse fotografías. “Nebreda consigue negarse absolutamente y plasmar esta auto-negación como obra de arte”, escribió el filósofo francés Jean Baudrillard.
Se autolesionaba causándose quemaduras, heridas, llagas y cuanta cosa se le ocurría,
Tras pasar por todo éste tipo de mutilaciones, Nebreda encuentra el escenario perfecto para tomarse fotografías. “Nebreda consigue negarse absolutamente y plasmar esta auto-negación como obra de arte”, escribió el filósofo francés Jean Baudrillard.
En sus fotografías David aparece desnudo, con la piel pegada a los huesos y el cuerpo lacerado, así como también embarrado de su propio excremento.
Muchos críticos de arte han declarado que sus fotos son muestra de un arte formalmente perfeccionista, lleno de tenebrismo; mismas que recuerdan al pintor Caravaggio, creador de este término tan conocido. En su autoexilio Nebreda crea una gran cantidad de autorretratos y algunos dibujos que fueron pintados con su sangre. Los mismos que hoy se encuentran en la edición 'Autoportraits', realizada por Léo Scheer. Obras cuidadas hasta en el ultimo detalle en el sentido de la iluminación y decoración de lo que era su mundo sin salida, su espacio donde él mandaba y no tenia que obedecer a nadie.
El autor intenta de este modo tan dramático mostrar su vulnerabilidad y mortalidad para mostrar su realidad.
“He pagado mi precio, pero estoy orgulloso de ello. No soy un masoquista o un fotógrafo de heridas”, argumenta Nebreda. Su obra casi desconocida en España, ha sido promovida sin embargo en Francia; a eso se debe la poca información en español que se pude encontrar acerca del autor.
“He pagado mi precio, pero estoy orgulloso de ello. No soy un masoquista o un fotógrafo de heridas”, argumenta Nebreda. Su obra casi desconocida en España, ha sido promovida sin embargo en Francia; a eso se debe la poca información en español que se pude encontrar acerca del autor.
Las reacciones sobre su obra siempre son extremas: rechazo absoluto o fascinación.
Encerrado en esa casa, David intentaba curarse haciendo frente a su enfermedad tomándose fotografías de su cuerpo mutilado, de esta forma quiere vencer el miedo que siente de ese padecimiento del que ha sufrido tantos años, así que representándose en una imagen le da la oportunidad de aceptarse como es y seguir la vida.
Mucho es lo que se ha cuestionado sobre la legitimidad de esta historia ya que es de sospechar como hacía para revelar las fotos, misma que notan un buen proceso de revelado que difícilmente se lograría en las instalaciones de su casa. También publicó un libro mientras estaba encerrado.
Éstas y muchas otras cosas se dudan del autor, pero de lo que no cabe ni la menor duda es de la calidad de sus fotografías, cuidadas y realizadas con gran intensidad.
La fuerza de las imágenes en sí mismas es impresionante y no pueden dejar a nadie indiferente al verlas. Ahora tiene 50 años. Es licenciado en Bellas Artes, pero sus conocimientos de fotografía son totalmente autodidactas.
Encerrado en esa casa, David intentaba curarse haciendo frente a su enfermedad tomándose fotografías de su cuerpo mutilado, de esta forma quiere vencer el miedo que siente de ese padecimiento del que ha sufrido tantos años, así que representándose en una imagen le da la oportunidad de aceptarse como es y seguir la vida.
Mucho es lo que se ha cuestionado sobre la legitimidad de esta historia ya que es de sospechar como hacía para revelar las fotos, misma que notan un buen proceso de revelado que difícilmente se lograría en las instalaciones de su casa. También publicó un libro mientras estaba encerrado.
Éstas y muchas otras cosas se dudan del autor, pero de lo que no cabe ni la menor duda es de la calidad de sus fotografías, cuidadas y realizadas con gran intensidad.
La fuerza de las imágenes en sí mismas es impresionante y no pueden dejar a nadie indiferente al verlas. Ahora tiene 50 años. Es licenciado en Bellas Artes, pero sus conocimientos de fotografía son totalmente autodidactas.
En un aislamiento absoluto David Nebreda ha creado cientos de autorretratos y algunos dibujos pintados con su sangre, en el cual refleja su propio suplicio cuidando hasta el último detalle la iluminación y decoración de su mundo sin salida.
David Nebreda rechaza desde hace años mirarse en un espejo. Sólo se concibe en estas imágenes de su propio dolor.
In American West de Richard Avendon
La mayoría de las fotografías son tomadas de la cintura para arriba como el nombre lo dice, siempre mostrando un estado de animo, el fondo siempre es blanco.
Velocidad y apertura con la que se puede tomar una foto de la luna
Para tomar fotos de la luna llena usted solo necesita una velocidad de obturación de 1/250s en ISO 100. Si la luna esta en cuarto creciente o menguante necesitara una exposición un poco mas larga.
Detalles:Lo más importante es el trípode. Sin el, sus fotos saldrán borrosas debido al tiempo de exposición. Si su cámara lo permite y usted tiene un control remoto para disparar la foto, es otro factor que evitara que sus fotos salgan movidas.
Guerrotipo
Empieza en 1822
Transparencia
Proceso de kodakcrome
Laboratorio de materiales didacticos.
Proceso nde transparencia se usaba en todos los periodicos para imprimir a color.
Tiempos de exposicion
1/2 segundo
1/4
1/8
1/15
1/30
1/60
1/125
1/250
1/500
1/1000
Mitad de luz de un segundo es medio segundo
Doble de tiempo 2 segundos
Doble de luz de 1/1000 es 1/500
Transparencia
Proceso de kodakcrome
Laboratorio de materiales didacticos.
Proceso nde transparencia se usaba en todos los periodicos para imprimir a color.
Tiempos de exposicion
1/2 segundo
1/4
1/8
1/15
1/30
1/60
1/125
1/250
1/500
1/1000
Mitad de luz de un segundo es medio segundo
Doble de tiempo 2 segundos
Doble de luz de 1/1000 es 1/500
Línea del Tiempo
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